Lotti Adam x KPM

Para mí, KPM significa familia y tradición; mi madre colecciona KURLAND desde que tengo uso de razón. En Navidad y en las fiestas, siempre estaba presente en nuestra mesa, y hoy en día, cuando mis hermanas y yo volvemos a casa, también lo está desde el desayuno hasta la cena. Probablemente por eso no soy precisamente una fanática de mezclar y combinar; me gusta que una vajilla esté completa. Nuestro amor familiar por KPM nos ha llevado incluso a que mi madre y yo hayamos asistido juntas a varios talleres de la «Mitmach-Manufaktur», ¡y nos lo hemos pasado de maravilla!

Simplemente tiene un tacto diferente, una textura superficial distinta. También influye si es porcelana o cerámica, o si está cocida o no. Pero, al fin y al cabo, es solo cuestión de acostumbrarse y me divierte cambiar de perspectiva. Normalmente trabajo con pincel y acrílico, y ahora lo hago con óleo y pigmentos, pluma y pincel. Para mí, pintar sobre porcelana tiene un carácter más ilustrativo que de pintura clásica.

El primer día, tengo que admitir que estaba tremendamente nerviosa. Aunque tenía una idea general, todavía no tenía muy claro qué iba a hacer exactamente, sobre todo porque no tenía ni idea de cuántas piezas podría pintar, cuáles serían ni cuánto podría hacer. Y de repente me dijeron: «¡Cógelas, llévatelas todas!», y tenía una selección enorme, ¡la mesa estaba llena!

¿Y luego qué?

Lo que más me ayudó fueron, sobre todo, las conversaciones con las pintoras, que me dieron un montón de consejos útiles que me hicieron reflexionar y me inspiraron. Y entonces, de repente, pude coger bastante ritmo, me volví relativamente rápida y perdí ese «miedo a empezar» que tenía al principio. Por supuesto, también porque sabía que solo disponía de un tiempo determinado para terminar, así que no podía pararme a pensar en cada trazo. Primero esbozaba los contornos a lápiz y luego iba aprendiendo diferentes técnicas. En algunos casos, había que cocer las piezas entremedio para poder sujetarlas con seguridad. O también para aplicar otra capa de color sin dañar la anterior; eso significa esperar un día hasta poder seguir adelante. Son procesos que llevan cierto tiempo y de los que antes no era tan consciente.

¿Cómo describirías la atmósfera que se respira en la pintura?

¡Genial! Para mí fue muy especial que me recibieran con tanta calidez, y también poder compartir ese momento tan agradable con tantas mujeres. En mi taller siempre trabajo sola, así que hacía mucho tiempo que no compartía un espacio creativo con otras personas. El ambiente es muy cordial y afectuoso, y el olor de los óleos y los colores crea una atmósfera muy especial en las salas.

¿Cuál ha sido tu encuentro más bonito aquí? ¿O el descubrimiento más emocionante?

Todo. Para mí fue como pasar una semana en un «Disneylandia para adultos». Cada día sucedía algo bonito. Ya fuera en logística, producción o pintura, el trato entre las personas es muy cálido aquí. Lo que más recordaré serán seguramente las historias personales de las pintoras, que me contaron sus largas experiencias, me presentaron con orgullo sus proyectos favoritos y compartieron recuerdos del pasado. Disfruté mucho de ese intercambio.

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Eres pintora; se te conoce por tus bodegones de interiores de gran formato y por tus obras de pequeño formato, llenas de humor y con un toque casi de moda. Pero también estás trabajando en otra serie de cuadros, bastante desconocida, que te importa mucho.

Llevo 15 años pintando emociones con rostros. La serie surgió a partir de un autorretrato abstracto. Las obras no tienen título y, a diferencia de los cuadros de interiores que pinto a lo largo de semanas, se crean de forma muy rápida y expresiva. A veces tardo diez minutos, otras dos horas, pero rara vez más de medio día. Son instantáneas en las que no puedo detenerme más tiempo, ya que si las analizara, se perderían. Estas emociones también están presentes en los objetos de KPM.

Has titulado tu colección «Eating Emotions».

Sí, porque con la porcelana, al fin y al cabo, ocurrió algo parecido. La presión del tiempo hizo que el trabajo, como ya he dicho, resultara más bien ilustrativo, más bien expresivo. Son expresiones que he almacenado en mi interior y que luego he trasladado a la porcelana. Aunque en un primer momento uno pueda pensar simplemente: «Ah, un pepinillo». Con el término «Emotional Eating», del que deduzco «Eating Emotions», asocio la comida que no solo se ingiere para saciar el hambre real. Por ejemplo, la cena en compañía de amigos y familiares, en la que surgen todo tipo de emociones diferentes en la mesa. Pero también comer por frustración, como ocurre, por ejemplo, con el desamor.

Tus piezas tienen una cara y una parte trasera. Si les das la vuelta, se pueden leer en la parte inferior pequeñas frases como «Me gusta Dish» o «Echo de menos Dish».

«Dish» significa «plato» en inglés. Las emociones encuentran una forma de expresarse y, con la ayuda de la porcelana, uno puede asimilarlas y, literalmente, hacerlas suyas. No se rechaza la emoción, sino que se interioriza, en el mejor de los casos de forma consciente y con placer. De este modo, quizá también se puedan transformar las emociones negativas en algo positivo. Sin estetizar en exceso el conjunto. Pero así surge un proceso, algo con lo que puedo sentirme a gusto y con lo que puedo hacer las paces. Algo que también puedo contemplar con cierto guiño y sobre lo que puedo reflexionar con humor y sentido estético.

«Cualquier emoción puede surgir cuando quiera. Es una sorpresa porque llega por sorpresa», revela la artista.

La serie «Eating Emotions» de Charlotte Adams surgió en el marco de una residencia artística y, por el momento, solo consta de piezas únicas que pueden solicitarse directamente a la artista o encargarse a medida.

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