Entrevista de MANDORLA con RXS+TW

Señor Sedelmeier, ¿qué es lo que le fascina especialmente de la forma de la mandorla?

RXS: Por un lado, está la estética pura, tanto la de cada mandorla como la de la disposición general. ¡Se convierte, de hecho, en un motivo de moda con un aire floral! Por otro lado, la mandorla forma parte de un diseño que suele utilizarse como suelo o chapa protectora, por ejemplo, en obras. Y creo que se merece algo más. En general, me entusiasma revitalizar y reinterpretar objetos, materiales y elementos, apartándolos de su finalidad original y liberándolos así de su mera funcionalidad.

¿Cómo fue el paso de la metalurgia a la porcelana?

TW: Llevaba tiempo pensando en productos que pudieran tener un relieve. Y para este relieve, el diseño industrial de Reiner encaja a la perfección; un borde no habría quedado bien. En mi mente se proyectó inmediatamente una imagen en la que quedó claro: MANDORLA encaja con nuestras colecciones y, sin embargo, no compite con los productos ya existentes.

RXS: Esta «estúpida» chapa de suelo se encuentra, en realidad, en algún lugar del suelo de una obra. Pero no se puede trasladar eso directamente a la porcelana sin más; se necesita un paso intermedio, y en este caso son mis muebles. Por ejemplo, la tumbona, en la que, en realidad, solo he elevado el material 30 centímetros. Cuando los espectadores observan los objetos, piensan: «¡Esto me suena de algún sitio!». Y entonces caen en la cuenta.

Muchos conocen este término también en un contexto totalmente diferente: el de la iconografía tradicional.

RXS: Sí, «mandorla» es un término técnico de la historia del arte que designa una gloria o aura que rodea a toda una figura. En eso se diferencia del halo, que solo rodea la cabeza. Las mandorlas se interpretan como una expresión visible del poder luminoso, salvador y protector de una figura. Lo cual, curiosamente, nos lleva de nuevo al guardabarros, que tiene la misma función. La protección es un tema importante: queremos protección, pero al fin y al cabo rara vez la conseguimos, y eso es precisamente lo que transmite la porcelana.

Los diseñadores de Mandorla: Reiner Xaver Sedelmeier y Thomas Wenzel

¿Así que, al final, se trata de una labor de transformación?

RXS: Exactamente. Se trata precisamente de crear ese contraste entre la chapa de acero protectora y la fragilidad de la porcelana. Lo único que puedo aportar soy el concepto, la idea. Sin la experiencia de la fábrica, la realización sería totalmente impensable; es increíblemente bonito ver el proceso de desarrollo y el esfuerzo que se invierte en cada objeto. Ese saber hacer, sumado a una historia tan impresionante… Es magnífico que una empresa con tal trayectoria aplique un enfoque tan contemporáneo.

Han optado por una forma básica cilíndrica, ¿por qué?

TW: El acero se lamina tradicionalmente, por lo que para mí el punto de partida claro era el cilindro o, dicho de otro modo, el tubo. Como una representación a escala 1:1 del proceso en el que un material se convierte en un producto. De este modo, el espectador puede asociar por sí mismo la chapa perforada. El hecho de que hayamos elegido la porcelana biscuit como material resalta la nitidez y la precisión, así como la experiencia táctil de la superficie sin esmaltar.

Mandorla se lanza, por un lado, como una nueva colección permanente de KPM Berlin y, por otro, como una edición artística limitada. ¿En qué se diferencian ambas versiones?

RXS: Se trata del acabado que aquí (y a menudo también en el resto de mi obra) se consigue mediante la aplicación de capas superficiales: plata y oro metálicos, en parte oro auténtico, pero también matices neón en rosa, naranja, amarillo… Dependiendo de cómo incida la luz, los tonos cambian; los reflejos forman una envoltura radiante alrededor de la mandorla propiamente dicha. Lo que, en cierto modo, también crea de alguna forma un aura muy especial.

¿Qué producto de la colección te gusta más?

RXS: Mi producto favorito es la taza, porque además ofrece una experiencia táctil. Cuando la coges con la mano, notas su textura, algo que, por lo general, solo se percibe al pisar con los zapatos.

TW: En mi caso, sería el jarrón. Me parece que, en su contexto, resulta muy armonioso desde el punto de vista formal. Precisamente su diseño, fruto de una forma industrial geométrica y coherente sin concesiones, lo convierte en una escultura moderna pero atemporal. Combina a la perfección este contraste.

La exposición «Transformación, industria, arte y artesanía» explora de forma apasionante la superación de los límites y de lo concebiblemente posible. Esa «irritación» tan familiar de los hábitos visuales es lo que mantiene tan vivo el diálogo interior.

El relieve (elaborado mediante un proceso de fundición) se adapta a la mano de los usuarios y usuarias

Fotos: Simone Schneider